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viernes, 18 de junio de 2010
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domingo, 25 de abril de 2010
LA PINTURA MODERNA Y OTROS ENSAYOS
LA PINTURA MODERNA Y OTROS ENSAYOS
(Clement Greenberg)
Vanguardia y Kitsch
La vanguardia dejó el carácter burgués del arte para moverse al mundo bohemio y esto significó que también dejó de lado el capitalismo. Al desvincularse de la sociedad tomó repulsión por la política. En este momento es cuando nace la noción del arte por el arte dónde el contenido de la obra deja de ser lo primero dando cabida a representaciones artísticas abstractas. Si el arte como primera estancia es imitación de lo que trata la vanguardia es de imitar el proceso de imitación. La vanguardia a diferencia del arte académico se mueve y esto es una ventaja pero el problema que tiene es su retraimiento sobre sí misma. Esto hace que sólo un número preciso de personas admire ese arte y tenga derecho a disfrutar de él, excluyendo a la mayor parte de la sociedad. La contradicción de la vanguardia es que aunque se describa independiente del mundo capitalista se apoya en una élite, la cual disminuye de forma acelerada, disminuyendo por tanto también los ingresos de los vanguardistas. Poco a poco la vanguardia va recurriendo al academicismo para adecuarse a un mayor público por lo que se desvía un poco de sus bases y se convierte en un arte inseguro. Aunque parezca que puede ser la naturaleza misma de la vanguardia el decaer como lo hizo, a lo largo del libro Greenberg insinúa que uno de los motivos de esa decadencia es la aparición del kitsch.
El kitsch es contemporáneo de la vanguardia y consiste en un arte caracterizado por el comercio y la popularidad. Nace gracias a la revolución industrial y su principal meta es alfabetizar a la población. El arte y la cultura han estado destinados a un público exquisito ya que la mayor parte de la población eran campesinos analfabetos y que no disponían de tiempo de ocio. A pesar de alfabetización no se consigue que esta gente disponga de tiempo de ocio y tenga el mismo confort que la cultura urbana dicta. Por esta razón se origina el kitsch, como subcultura para esta gente. El kitsch se apoya en la tradición para utilizarla en su propio negocio. Va reciclando lo que ve efectivo para montar una fábrica en serie de productos que tengan aceptación segura por la sociedad. A veces hasta la vanguardia se ha visto tentada por el kitsch y sus grandes beneficios basados en lo que podría ser el primer estudio de marketing y mercado.
La pintura moderna
Lo moderno incluye casi todo lo verdaderamente vivo en nuestra cultura. La esencia de lo moderno es que usa métodos exclusivos de una disciplina para criticar esa misma disciplina. Esto se hace para afianzarla más sólidamente. Lo moderno critica desde el interior. En las artes surgió tras ser consideradas por la ilustración como mero entretenimiento. De esta manera la única salida era demostrar que cosa las diferenciaba de todo lo demás y las hacía necesarias ya que producían cosas que no podían existir de otra manera. Cada arte tuvo que encontrar mediante la autocrítica las características que las hacían especiales y únicas. Al hacerlo reducían su campo de posibilidades pero a la vez se reforzaban el ámbito que quedaba como suyo propio. El arte moderno utiliza el arte para llamar la atención sobre el propio arte. Las limitaciones que afectan al medio de la pintura se contemplan como factores positivos y se exponen abiertamente. La planitud de la superficie del cuadro fue el aspecto más fundamental del medio. Frente a los cuadros modernos se toma consciencia de la planitud del cuadro antes de fijarse en lo que esta planitud contiene y no al revés. Los pintores modernos abandonan la representación del tipo de espacio que ocupan los objetos reconocibles. Todo lo reconocible se mueve en el mundo tridimensional por tanto si representamos algo reconocible irremediablemente nuestro cerebro dejará de lado la planitud del cuadro para situar esa imagen en nuestro espacio reconocible de realidad. Por el contrario, la silueta fragmentaria de algo alineará el espacio pictórico reforzando la bidimensionalidad del cuadro y garantizando la independencia de la pintura como arte. Al mismo tiempo la pintura moderna demuestra lo ligada que está a la tradición con su resistencia a lo escultórico. La ilusión análoga creada por los pintores modernos sólo se puede mirar; sólo se puede pasear, literal o figuradamente con los ojos.
(Clement Greenberg)
Vanguardia y Kitsch
La vanguardia dejó el carácter burgués del arte para moverse al mundo bohemio y esto significó que también dejó de lado el capitalismo. Al desvincularse de la sociedad tomó repulsión por la política. En este momento es cuando nace la noción del arte por el arte dónde el contenido de la obra deja de ser lo primero dando cabida a representaciones artísticas abstractas. Si el arte como primera estancia es imitación de lo que trata la vanguardia es de imitar el proceso de imitación. La vanguardia a diferencia del arte académico se mueve y esto es una ventaja pero el problema que tiene es su retraimiento sobre sí misma. Esto hace que sólo un número preciso de personas admire ese arte y tenga derecho a disfrutar de él, excluyendo a la mayor parte de la sociedad. La contradicción de la vanguardia es que aunque se describa independiente del mundo capitalista se apoya en una élite, la cual disminuye de forma acelerada, disminuyendo por tanto también los ingresos de los vanguardistas. Poco a poco la vanguardia va recurriendo al academicismo para adecuarse a un mayor público por lo que se desvía un poco de sus bases y se convierte en un arte inseguro. Aunque parezca que puede ser la naturaleza misma de la vanguardia el decaer como lo hizo, a lo largo del libro Greenberg insinúa que uno de los motivos de esa decadencia es la aparición del kitsch.
El kitsch es contemporáneo de la vanguardia y consiste en un arte caracterizado por el comercio y la popularidad. Nace gracias a la revolución industrial y su principal meta es alfabetizar a la población. El arte y la cultura han estado destinados a un público exquisito ya que la mayor parte de la población eran campesinos analfabetos y que no disponían de tiempo de ocio. A pesar de alfabetización no se consigue que esta gente disponga de tiempo de ocio y tenga el mismo confort que la cultura urbana dicta. Por esta razón se origina el kitsch, como subcultura para esta gente. El kitsch se apoya en la tradición para utilizarla en su propio negocio. Va reciclando lo que ve efectivo para montar una fábrica en serie de productos que tengan aceptación segura por la sociedad. A veces hasta la vanguardia se ha visto tentada por el kitsch y sus grandes beneficios basados en lo que podría ser el primer estudio de marketing y mercado.
La pintura moderna
Lo moderno incluye casi todo lo verdaderamente vivo en nuestra cultura. La esencia de lo moderno es que usa métodos exclusivos de una disciplina para criticar esa misma disciplina. Esto se hace para afianzarla más sólidamente. Lo moderno critica desde el interior. En las artes surgió tras ser consideradas por la ilustración como mero entretenimiento. De esta manera la única salida era demostrar que cosa las diferenciaba de todo lo demás y las hacía necesarias ya que producían cosas que no podían existir de otra manera. Cada arte tuvo que encontrar mediante la autocrítica las características que las hacían especiales y únicas. Al hacerlo reducían su campo de posibilidades pero a la vez se reforzaban el ámbito que quedaba como suyo propio. El arte moderno utiliza el arte para llamar la atención sobre el propio arte. Las limitaciones que afectan al medio de la pintura se contemplan como factores positivos y se exponen abiertamente. La planitud de la superficie del cuadro fue el aspecto más fundamental del medio. Frente a los cuadros modernos se toma consciencia de la planitud del cuadro antes de fijarse en lo que esta planitud contiene y no al revés. Los pintores modernos abandonan la representación del tipo de espacio que ocupan los objetos reconocibles. Todo lo reconocible se mueve en el mundo tridimensional por tanto si representamos algo reconocible irremediablemente nuestro cerebro dejará de lado la planitud del cuadro para situar esa imagen en nuestro espacio reconocible de realidad. Por el contrario, la silueta fragmentaria de algo alineará el espacio pictórico reforzando la bidimensionalidad del cuadro y garantizando la independencia de la pintura como arte. Al mismo tiempo la pintura moderna demuestra lo ligada que está a la tradición con su resistencia a lo escultórico. La ilusión análoga creada por los pintores modernos sólo se puede mirar; sólo se puede pasear, literal o figuradamente con los ojos.
sábado, 24 de abril de 2010
HISTORIA DE SEIS IDEAS
HISTORIA DE SEIS IDEAS
(Wladyslaw Tatarkiewicz)
Tatarkiewicz en su libro habla sobre seis ideas relacionadas con la estética occidental y de las transformaciones que ha ido teniendo cada una de ellas. También explica que significaciones se hubieran adherido a cada uno de los términos a lo largo de la historia.
La forma que tiene de hacer este estudio la empieza oponiendo los significados antiguos con los nuevos y lo continúa haciendo un análisis de la evolución semántica de cada uno de ellos.
En realidad la tesis de Tatarkiewicz es interesante y curiosa cuanto menos pero el uso que hace de la semántica, aún haciendo diferenciación entre el término antiguo y el nuevo, no es más que un juego que utiliza para que haya partes del libro en las que mezclando uno y otro consideremos que es lo mismo.
Esto no es así. Podemos estar hablando de un “banco” para sentarnos o del “banco” al que acudimos para sacar dinero o para reclamar algún cargo en nuestra cuenta pero no podemos mezclar ambos términos por considerar que puedan tener algún origen común en su sintaxis y hacer alusión a ambos como si fueran una misma cosa.
Cada término se diferencia por el contexto en el que se utiliza pero Tatarkievicz los usa de una manera ilusionista para reforzar sus teorías.
(Wladyslaw Tatarkiewicz)
Tatarkiewicz en su libro habla sobre seis ideas relacionadas con la estética occidental y de las transformaciones que ha ido teniendo cada una de ellas. También explica que significaciones se hubieran adherido a cada uno de los términos a lo largo de la historia.
La forma que tiene de hacer este estudio la empieza oponiendo los significados antiguos con los nuevos y lo continúa haciendo un análisis de la evolución semántica de cada uno de ellos.
En realidad la tesis de Tatarkiewicz es interesante y curiosa cuanto menos pero el uso que hace de la semántica, aún haciendo diferenciación entre el término antiguo y el nuevo, no es más que un juego que utiliza para que haya partes del libro en las que mezclando uno y otro consideremos que es lo mismo.
Esto no es así. Podemos estar hablando de un “banco” para sentarnos o del “banco” al que acudimos para sacar dinero o para reclamar algún cargo en nuestra cuenta pero no podemos mezclar ambos términos por considerar que puedan tener algún origen común en su sintaxis y hacer alusión a ambos como si fueran una misma cosa.
Cada término se diferencia por el contexto en el que se utiliza pero Tatarkievicz los usa de una manera ilusionista para reforzar sus teorías.
ARTE E ILUSIÓN
ARTE E ILUSIÓN
(Ernst Grombrich)
Grombrich considera épocas artísticas sólo aquellas que se basan en la tradición mimética e ilusionista. El arte como copia mimética de la realidad es lo que este autor pone en alza. El afirma que cualquier obra que no tenga estos principios que él considera fundamentales no podrá ser considerada arte.
Grombrich nos da a entender que la única importancia de lo que hoy en día se llama arte es que se apoya en toda la tradición artística anterior, lo que según él sí tenía importancia.
Con el mito de pigmalion nos quiere hacer entender la importancia que han tenido siempre las imágenes y el ilusionismo.
Pigmalion había tenido muchos desengaños amorosos y no deseaba buscar más mujeres que pudieran hacerle daño. Por esto decidió hacerse una escultura que consolara su vacío. Pigmalion estaba muy entusiasmado con esta imagen, tanto, que cuando tocaba sus pechos le daba la impresión de que éstos se ablandaban. Afrodita que observaba esta fantasía de Pigmalion decidió dar vida a la estatua de marfil apiadándose de él.
Poniendo este mito lo único que busca Grombrich es demostrar la reacción tan fuerte que puede llegar a tener un ser humano con una obra de arte basada en la copia impecable de la realidad que conocemos.
La importancia de las imágenes reside en el efecto inquietante que las caracteriza. Son y no son al mismo tiempo y esto a la vez que nos confunde nos fascina.
(Ernst Grombrich)
Grombrich considera épocas artísticas sólo aquellas que se basan en la tradición mimética e ilusionista. El arte como copia mimética de la realidad es lo que este autor pone en alza. El afirma que cualquier obra que no tenga estos principios que él considera fundamentales no podrá ser considerada arte.
Grombrich nos da a entender que la única importancia de lo que hoy en día se llama arte es que se apoya en toda la tradición artística anterior, lo que según él sí tenía importancia.
Con el mito de pigmalion nos quiere hacer entender la importancia que han tenido siempre las imágenes y el ilusionismo.
Pigmalion había tenido muchos desengaños amorosos y no deseaba buscar más mujeres que pudieran hacerle daño. Por esto decidió hacerse una escultura que consolara su vacío. Pigmalion estaba muy entusiasmado con esta imagen, tanto, que cuando tocaba sus pechos le daba la impresión de que éstos se ablandaban. Afrodita que observaba esta fantasía de Pigmalion decidió dar vida a la estatua de marfil apiadándose de él.
Poniendo este mito lo único que busca Grombrich es demostrar la reacción tan fuerte que puede llegar a tener un ser humano con una obra de arte basada en la copia impecable de la realidad que conocemos.
La importancia de las imágenes reside en el efecto inquietante que las caracteriza. Son y no son al mismo tiempo y esto a la vez que nos confunde nos fascina.
MANERAS DE HACER MUNDOS
MANERAS DE HACER MUNDOS
(Nelson Goodman)
Goodman innova sustituyendo la típica pregunta de ¿qué es al arte? por una nueva que considera mucho más acorde con la definición de arte que es ¿cuándo hay arte?
Con esta pregunta el autor nos hace cuestionarnos mucho en qué consiste realmente el arte. Ya que según él, el arte puede ser cualquier cosa. Goodman pasa la pelota al ámbito en el qué se mueven las obras artísticas. De esta manera cualquier cosa podría ser arte siempre y cuando se presente como tal.
Al aparecer cualquier objeto presentado en una galería de arte o museo, el sujeto se relacionará con él como obra de arte y dará igual de qué se trate. Si este mismo objeto está tirado entre bolsas de basura, el sujeto se relacionará con él de una manera totalmente distinta.
De esta forma será arte todo lo que se presente como arte, dejará de ser arte todo lo que desaparezca de las galerías y se convertirá en obra de arte todo lo que permanezca dentro del mundo artístico a pesar del tiempo.
(Nelson Goodman)
Goodman innova sustituyendo la típica pregunta de ¿qué es al arte? por una nueva que considera mucho más acorde con la definición de arte que es ¿cuándo hay arte?
Con esta pregunta el autor nos hace cuestionarnos mucho en qué consiste realmente el arte. Ya que según él, el arte puede ser cualquier cosa. Goodman pasa la pelota al ámbito en el qué se mueven las obras artísticas. De esta manera cualquier cosa podría ser arte siempre y cuando se presente como tal.
Al aparecer cualquier objeto presentado en una galería de arte o museo, el sujeto se relacionará con él como obra de arte y dará igual de qué se trate. Si este mismo objeto está tirado entre bolsas de basura, el sujeto se relacionará con él de una manera totalmente distinta.
De esta forma será arte todo lo que se presente como arte, dejará de ser arte todo lo que desaparezca de las galerías y se convertirá en obra de arte todo lo que permanezca dentro del mundo artístico a pesar del tiempo.
LOS PRINCIPIOS DEL ARTE
LOS PRINCIPIOS DEL ARTE
(Robin George Collingwood)
El libro de Collingwood nos hace creer por su título que es un libro orientado a explicarnos de forma científica los principios que conforman aquello que se hace llamar “arte”. Muy por el contrario en sus páginas descubrimos que más bien lo que el autor hace es buscar una definición de arte desechando lo que no pertenece a ese término.
De esta manera descubrimos que arte no es magia por lo tanto todo lo que nos lleve hacia el ilusionismo queda fuera del mundo artístico.
Vemos también que arte no es artesanía, por lo que lo producido mediante copia, buscando su venta y destinado a poder a hacerse en serie se elimina también.
Por último vemos que arte no es diversión, o sea, no es algo que se haga buscando lo lúdico del asunto.
Pero si eliminamos estas opciones ¿Qué nos queda como arte?, ¿Qué puede considerarse arte?, ¿Qué queda dentro de ese conjunto de ideas al que creíamos tan amplio?
Pues justamente eso, quedan las ideas. El arte no es más que un tipo de ideas que no aportan nada, son simplemente intuiciones de arte.
De esta manera queda todo bien explicado ya que lo importante pues, del arte, no es más que la idea de arte que se tenga.
Por tanto el arte tendría como fin hacer que los demás sean capaces de percibir la intuición artística que ha tenido el artista y el trabajo de este artista sería pues, ser capaz de, utilizando los medios que pone a su disposición el arte, componer un artefacto que respondiera perfectamente a la intuición que tuvo.
(Robin George Collingwood)
El libro de Collingwood nos hace creer por su título que es un libro orientado a explicarnos de forma científica los principios que conforman aquello que se hace llamar “arte”. Muy por el contrario en sus páginas descubrimos que más bien lo que el autor hace es buscar una definición de arte desechando lo que no pertenece a ese término.
De esta manera descubrimos que arte no es magia por lo tanto todo lo que nos lleve hacia el ilusionismo queda fuera del mundo artístico.
Vemos también que arte no es artesanía, por lo que lo producido mediante copia, buscando su venta y destinado a poder a hacerse en serie se elimina también.
Por último vemos que arte no es diversión, o sea, no es algo que se haga buscando lo lúdico del asunto.
Pero si eliminamos estas opciones ¿Qué nos queda como arte?, ¿Qué puede considerarse arte?, ¿Qué queda dentro de ese conjunto de ideas al que creíamos tan amplio?
Pues justamente eso, quedan las ideas. El arte no es más que un tipo de ideas que no aportan nada, son simplemente intuiciones de arte.
De esta manera queda todo bien explicado ya que lo importante pues, del arte, no es más que la idea de arte que se tenga.
Por tanto el arte tendría como fin hacer que los demás sean capaces de percibir la intuición artística que ha tenido el artista y el trabajo de este artista sería pues, ser capaz de, utilizando los medios que pone a su disposición el arte, componer un artefacto que respondiera perfectamente a la intuición que tuvo.
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